Años 70` hasta la Actualidad

Op Art

El Arte Óptico es una corriente artística abstracta, basada en la composición pictórica de fenómenos puramente ópticos, sensaciones de movimiento en una superficie bidimensional, engañando al ojo humano mediante ilusiones ópticas.

El Op-Art se caracteriza por varios aspectos:

• La ausencia total del movimiento real, todas sus obras son físicamente estáticas, lo cual lo diferencia del Arte cinético.

• Se pretende crear efectos visuales tales como movimiento aparente, vibración, parpadeo o difuminación.

• Usa los recursos de líneas paralelas, tanto rectas como sinuosas, contrastes cromáticos marcados, ya sea poli o bicromáticos, cambios de forma y tamaño, combinación y repetición de formas y figuras, entre otros recursos ópticos. Usa también figuras geométricas simples, como rectángulos, triángulos y circunferencias en tramados, combinaciones o formaciones complejas.

• En muchos casos el observador participa activamente moviéndose o desplazándose para poder captar el efecto óptico completamente.

• Se usa el acrílico para obtener superficies lisas, limpias y muy bien definidas.

• El artista del Op-Art no pretende plasmar en su obra sensaciones o situaciones, no existe ningún aspecto emocional en la obra.

Arte cinético

El arte cinético se refiere a aquellas realizaciones cuyo principio básico es el movimiento; esta dinamicidad, virtual o real, mecánica, óptica o ambiental, técnica, cibernética o tecnológica, puede ser prevista por el artista o bien provocada de manera incontrolada, y origina la forma plástica de las realizaciones cinéticas; aquí se introduce el valor espacio-temporal en el núcleo del arte. Por lo tanto, interesa más en la obra cinética, el movimiento mismo que representar ese movimiento. El arte cinético presenta dos modalidades: el cinetismo (movimiento espacial), que se refiere a una modificación espacial perceptible; y el luminismo, que alude al cambio perceptible del color, luminosidad y trama. El término tiene su origen en la rama de la mecánica que investiga la relación entre el movimiento de los cuerpos y las fuerzas que actúan sobre ellos. *La primera muestra de arte cinética tuvo lugar en la galería parisiense Denissè Rene, en 1955. Se le nombró Le Mouvement, y reunió trabajos de Calder, Duchamp, Agam, Pol Bury, Tinguely e Yves Klein. Al mismo tiempo Vasarely publica el Manifiesto Rojo. En los primeros años de la década de los sesenta el movimiento se confirma y se comienzan a realizar exposiciones en Zurich, Holanda y Yugoslavia. Surgen grupos cinéticos en Francia (Equipo 57, 1957, y el Groupe de Recherche d´Art Visuel - Grav, 1960); Italia (grupos gestálticos N, de Pádua, y T, de Milán, ambos en 1959); Alemania (Grupo Zero, Dusseldorf, 1958); Yugoslavia (Nuevas Tendencias, 1961); y Moscú (Grupo Dvegnie, 1966). En los Estados Unidos la primera exposición de dicha tendencia, incluyendo al op art, fue realizada por Willian Seitz, en 1964, en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, intitulada The Responsive Eye. Frank Popper define el arte cinético como "estética del movimiento", dividiéndolo en movimento virtual - op art - y real. El inglés Guy Brett prefiere hablar del "lenguaje del movimiento", viendo al arte cinético como una estructura viva, algo más orgánico, aproximándolo, también, al arte povera y al body art. Para el francés Jean Clay, el arte cinético "no es apenas lo que se mueve, es más una toma de conciencia de la inestabilidad de lo real". Frecuentemente inmaterial y ambiental, el arte cinético se aproxima también al happening; muestra de ello son los integrantes del grupo Grav, cuando llevan a la calle sus manifestaciones. Los artistas más destacados son: Albers, Alviani, Castellani, Gerstner, Van Graevenitz, Cruz-Diez, Soto, Flavin, Medala, Takis, Üecker, Calder, Kosice, Kowalski, Munari, Mari, Rickey, Sobrino, Stein, Otto Piene, Heinz Mack, Garcia-Rossi y Julio Le Parc, Ubi Bava, Abraham Palatnik, Waldemar Cordeiro y Sergio Camargo.

Arte Minimal

Este movimiento se manifiesta principalmente en el campo de la escultura, teniendo como característica principal su fisicalidad; las piezas minimalistas son en general esculturas enormes, hechas con materia prima industrial y resultan en superficies pulidas, lisas y brillantes sin el efecto de materia o textura, ni referencias líricas o ideológicas. Casi siempre son estructuras únicas que constituyen sistemas visuales. El minimal art se manifestó en varias exposiciones en Estados Unidos, entre 1965 y 1968, recibiendo diferentes denominaciones: Estructuras Primarias (1966), Arte Elemental, ABC Art, Arte Reductiva, Escultura Gestáltica, Arte Serial, Arte Modular, Arte Estructuralista. El Minimal Art fue precedido en el campo de la pintura por la llamada Abstracción Fría (Ad Reinhardt, Barnett Newmann) y por el Hard-Edge Painting, término que significa más o menos pintura de contornos duros (haciendo referencia a los acabados industriales), y que fue denominado así por Clemente Greember. Por lo menos, fue él quien primero apoyó esta pintura en la exposición que organizó para el Museo de Los Angeles, denominada Abstracción Pós- Pictórica. Pero la primera muestra específica de Minimal Art tiene lugar en la Galeria Fischbach, de Nueva York, en 1962. Entre los artistas más destacados son: Mathias Goeritz, Tony Smith, Ellsworth Kelly, Robert Morris, Donald Judd, Larry Bell, Richard Serra, Carl André, Sol Lewitt e Ramirez Villamizar, Amilcar de Castro, Carlos Fajardo y Eduardo Sued.

Postminimalismo

Es un estilo que nace en reacción al minimalismo, en contra de su rigidez geométrica, de su ideología austera. Y en oposición al Arte bien hecho, el postminimalismo aspira a un Arte sucio como un acto de provocación. Tiene una nueva sensibilidad que subraya la vulnerabilidad del Arte y de la vida. Concibe el Arte como objeto no comercial, como actividad artística, como comportamiento. Representante de este movimiento artístico es Hesse que realizó esculturas con materiales no resistentes, pobres y poco manipulados. A cerca de Eva Hesse: La originalidad de Eva Hesse ha sido, en ocasiones, comparable a las expresiones inventivas de Marcel Duchamp y a la ingeniosidad presente en la obra de Francis Picabia, al ser capaz de adoptar una iconografía y el uso de unos materiales que rompen de una manera directa con lo que hasta ese momento se había entendido por escultura y por el manejo novedoso de materiales experimentales. A mediados de la década del 60, Eva Hesse reacciona contra el aspecto rígido de la escultura minimal y rechaza la idea de trabajar con formas programadas. En compañía de Robert Morris y Keith Sonnier comienza a explorar las nuevas posibilidades de la escultura, utilizando materiales blandos, que debido a su flexibilidad y flacidez, pudieran ser fácilmente deformables. En 1967 lleva a cabo sus primeras esculturas en látex y un año después realiza esculturas en libra de vidrio. La escultora le confiere al material, una capacidad de autotransformación que no está relacionada con la manera tradicional de manipular los materiales para obtener un objeto escultórico. La forma final y definitiva se convierte en una búsqueda de la antiforma, entendido como proceso que no contiene en sí mismo un cierre definitivo, previamente determinado por el escultor, sino que la naturaleza plástica y transformable de los propios materiales, irá alterando, mediante sus características estructurales, combinadas con el efecto del azar, el grado de modificación autónoma que habrá de sufrir el propio objeto escultórico. Es decir, el artista propiciará procesos de descomposición y recomposición de los materiales, inducidos por la naturaleza y la estructura -deformable y transformable- presente en los materiales mismos. Este interés en salvaguardar una dimensión, donde el cambio y la modificación de la forma se vuelvan en cierto sentido autónomas, la llevará a utilizar en su trabajo, materiales sumamente flexibles e inestables como el cordón, la tela engomada, y una gran variedad de elementos efímeros con los que logra expresar un nuevo sentido de la masa escultórica, a través de una valoración novedosa de la línea, la forma la textura y el color, que harán de su trabajo una expresión original y totalmente inédita. Colectivo hematoma es un experimento visual formado por 17 diseñadores gráficos de la ciudad de Guadalajara, México.

Beat Generation

Desilusionados por el avance de la ciencia y de la tecnología occidental, los Beats se embarcan en la búsqueda de otros patrones de conducta, de los cuales surgiría un culto a oriente, una nueva fe o una ética tribal. En la actualidad los Beats son reconocidos como iconos de la contracultura norteamericana y como uno de los movimientos culturales de mayor influencia en la segunda mitad del siglo XX. En 1944, Jack Kerouack, Allen Ginsberg y William Burroughs se encuentran en la Universidad de Columbia en Nueva York, adoptando la palabra Beat, para describir su trabajo....dicho término, Herbert Huncke (un drogadicto y vago de Times Square) se lo da a conocer a Kerouack... y aparece impreso por primera vez en el artículo " Esta es la generación Beat", publicado en 1952 en el New York Times Magazine, por John Clellon Holmes. Los encuentros de los Beats fueron expándiendose hasta reunir no nada más escritores sino poetas, artistas visuales, cineastas, tanto en el Este como en el Oeste de Norteamérica. Expandieron la noción de la obra de arte, dando enfasis al proceso sobre la obra terminada, fusionando lo cotidiano con lo extraordinario. Los Beats, al igual que los desposeídos, expulsados, ilegales, drogadictos, negros, homosexuales; heredan una larga tradición de repudio a lo convencional, practicada por Emerson, Thoreau y Walt Whitman, es decir, el individuo que adopta una posición existencial independiente a la mayoría. Carecían de cualquier inclinación política y creían firmemente en la utopía de que el artista/ciudadano sería el líder social del futuro. Sus influencia eran reconocidos por ellos mismos como heroes, locos, alucinados y poetas: William Blake, Rimbaud, Lautremont, Cocteau y Artaud.... Los Beats otorgan privilegio a la locura sobre la razón tal y como lo describe Holmes: ¨la generación Beat es una visión, no una idea..." Experimentaron con toda clase de cultos religiosos y misticos, (el Zen, el peyote, el LSD, el ocultismo, etc.). Para algunos historiadores, el papel que jugaron los Beats en la influencia de la danza y el teatro contemporáneo, el NeoDaDa, el expresionismo abstracto, el filme norteamericano, el ensamblaje, fluxus y los happenings, ha sido subestimado; un ejemplo de ello es la idea de sacar el arte de la galería, sacarlo a la calle, presentarlo en los cafés, en los antros, etc. La generación Beat fue un movimiento que en sus inicios comenzó con un pequeño círculo de escritores que solían reunirse en la universidad, más tarde se convertiría en unos de los movimientos literarios de mayor influencia tanto para la literatura contemporánea como en las artes visuales, sobre todo de aquellas que se vinculan con los nuevos medios. El término Beat Generation, poco a poco fue representando a toda una época, consecuencia que resulta curiosa por ser este movimiento uno de los más reducidos en cuanto a grupo se refiere. Sus miembros eran Jack Kerouac, Allen Ginsberg, Neal Cassady y William S. Burroughs, quienes solían reunirse en los alrededores de la Universidad de Columbia, en la parte alta de Manhattan en los años cuanrenta. Más tarde deciden tomar bajo su tutela a Gregory Corso (de apenas 16 años) y a Herbert Hunke. emigraron años después a San Francisco, California en donde se integran Gary Snyder, Lawrence Ferlinghetti, Michael McClure, Philip Whalen y Lew Welch. Fue hasta el recital de poesía Aullido que hizó Allen Ginsberg en la Six Gallery que comenzó a adquirir fama el movimiento Beat y dieron inicio una serie de publicaciones de estos literatos. Después de que los pioneros de la generación cobraron fama vino una segunda generación en los que se incluyen Bob Kaufman, Diane DiPrima, Ed Sanders, Anne Waldman and Ted Joans, quienes aportaron nuevas ideas al grupo de inicio.

Arte conceptual

La muestra que inaugura el arte conceptual se realizó en Berna (Suiza), en 1969 y se intituló Live in your Head - When Attitudes Become Form, y reúne conceptos, procesos, situaciones, informaciones y documentos. En el catálogo de la muestra, Grégorie Muller afirma que "el artista no tiene razón ya de sentirse limitado por la materia, la forma, la dimensión o el lugar. La noción de la obra puede ser sustituida por algo cuya única utilidad es significar". Es en otras dos exposiciones en donde se confirma esta tendencia: Conceptual Art - No Object, en el Museo de Leverkusen, realizada en 1969, y que sólo existió en el catálogo, la portada fue el contenido y soporte de la muestra; y la exposición Information - Summer 70, en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, con la presencia de artistas brasileños. En la muestra de Leverkusen, Rolf Wedewer afirma que "un ante-proyecto presentado como forma final indica tanto en el observador como en el artista una nueva actitud. El artista da una indicación, y el espectador se ve impulsado a reflexionar y a imaginar". El arte conceptual se cuestiona y reflexiona sobre sí mismo, es el arte sobre el arte. Se trata de un artesano mental, como escribía Abraham Moles: "el artista no lucha más con la materia que con la idea, ya no hace mas obras sino que propone ideas para hacer obras". Es por tanto un arte "paravisual": lo que acaba siendo una estructura representativa. El arte conceptual exige la participación mental del espectador. Entre los artista más destacados están: John Baldessari, Mel Bochner, Joseph Kosuth, On Kawara, Arakawa, Bernard Venet, Sol Lewitt, Daniel Buren, Dan Graham, Ian Baxter, Hanne Darbowen y Marcel Broodthaers. En Brasil los artistas, Antonio Dias, Cildo Meireles, Waltercio Caldas y Barrio.